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domingo, 24 de octubre de 2010

La Tumba de Couperin

Maurice Ravel se sintió desolado con la Primera Guerra Mundial. Aunque había sido declarado exento del servicio militar muchos años antes, estaba decidido a luchar por su país. En 1914, a la edad de 39 años, se alistó. Fue enviado al frente, donde en varias ocasiones estuvo a punto de morir. Presenció algunas escenas aterradoras. Ravel decidió dedicar cada uno de los movimientos de la nueva suite para piano a un amigo que hubiera muerto en la guerra. A continuación, en interpretación de Emil Gilels un fragmento final de la obra.

Click aquí para apreciar todo el material multimedia.



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Extracto de Le Tambeau de Couperin interpretado por Emil Gillels:




La versión para piano de La Tumba de Couperin fue iniciada en julio de 1914 y terminada en noviembre de 1917. Marguerite Long tocó el estreno en París, el 11 de abríl de 1919. Ravel orquestó cuatro de los seis movimientos en junio de 1919. Rhené-Baton dirigió el estreno con la Orquesta Pasdeloup en París, el 28 de febrero de 1920.

Ravel se sintió desolado con la Primera Guerra Mundial. Aunque había sido declarado exento del servicio militar muchos años antes, estaba decidido a luchar por su país. En 1914, a la edad de 39 años, se alistó. Fue enviado al frente, donde en varias ocasiones estuvo a punto de morir. Presenció algunas escenas aterradoras.

Vi una cosa alucinante: una ciudad de pesadilla, horriblemente desierta y muda. No es la batalla de arriba ni los pequeños globos de humo blanco que delinean el cielo muy puro. No es esta lucha formidable e invisible lo que es angustiante, sino más bien sentirse solo en medio de esta ciudad que descansa en un sueño siniestro, bajo la luz brillante de un hermoso día de verano. Sin duda veré cosas que serán más aterradoras y repugnantes. No creo que vuelva a experimentar jamás una emoción más profunda y extraña que esta clase de terror mudo.

Los años de guerra trajeron otros problemas. La salud de Ravel no era buena y en 1916 debió ser operado a causa de la disentería. Apenas terminada su convalecencia, se enteró de que su madre, a la que amaba profundamente, se estaba muriendo a la edad de 76 años. Llegó a su casa desde el frente justo a tiempo para verla morir.

"Espiritualmente es aterrador. Le había escrito muy poco tiempo antes y recibía sus cartas llenas de piedad que me agradaban tanto... y me daban tanta alegría. Todavía me sentía feliz en aquel momento, a pesar de la inexpresable aprehensión de mi corazón. No pensaba que sucedería tan rápido. Ahora, me he quedado con esta espantosa desesperación, esta ansiedad en mis pensamientos." La pérdida de su madre fue el golpe más grave de los años de guerra. Regresó al frente abatido y solo. Luego, una vez más, debió ser hospitalizado, esta vez por congelamiento. El compositor quedó tan deprimido que no pudo terminar ninguna pieza musical durante los tres años siguientes, excepto la suite para piano La Tumba de Couperin, que había empezado antes de la guerra. La Tumba se convirtió en una obra trágica, aunque su pathos está disimulado por una superficie aparentemente objetiva. Sus siguientes composiciones (una vez que finalmente pudo regresar al trabajo) también reflejan la devastación de las tragedias del tiempo de la guerra.

Ravel decidió dedicar cada uno de los movimientos de la nueva suite para piano a un amigo que hubiera muerto en la guerra. El preludio fue para Jacques Charlot, primo de Jacques Durand, que había transcrito varias piezas del compositor. El rigodón fue en memoria de Pierre y Pascal Gaudin, amigos de la infancia del compositor. El minué fue para Jean Dreyfus, hijo de la madrina de Ravel. La toccata estuvo dedicada a Joseph de Marliave, esposo de la distinguida pianista Margarite Long, que estrenó La Tumba.

Tocar la pieza que había sido dedicada a su marido muerto fue extremadamente difícil para la Long y posteriormente tuvo que dejar de tocar durante dos años. Ravel sentía con tal fuerza que ella debía ser la intérprete principal de la obra que se negó a dar la partitura a ningún otro pianista hasta que la Long estuvo en condiciones de tocar en público nuevamente.

Tombeau significa "tumba". Tombeau en el barroco era una pieza escrita como elegía para una persona en particular. Tanto Francois Couperin como su tío Louis Couperin compusieron tombeaux para el teclado. El título de Ravel sugiere un homenaje a uno de estos dos compositores franceses, ¿pero cuál? Todo lo que Ravel dijo fue que la pieza era un tributo general a la música francesa del siglo XVIII. Debajo de la superficie apacible de esta suite yace una serie de lamentos dolorosos: en parte por los que habían muerto en la guerra reciente, pero también (subconscientemente al menos) por la madre del compositor.

Ravel buscó objetivar esos lamentos moldeando la pieza en una forma de algún modo parecida a una suite de danzas barrocas. La Forlane, por ejemplo, es una danza muy antigua originada en el norte de Italia; Frangois Couperin escribió una forlane. El minué es una danza popular y majestuosa por lo general incluida en las suites de danzas. Rigodón, una antigua danza de Pro-venza, fue utilizada en unas pocas suites de danzas de Rameau y de Bach. Ravel adoptó los patrones rítmicos de estas danzas, pero el lenguaje melódico y armónico de La Tumba es mucho más propio de él. El preludio, así como la fuga y la toccata de la versión para piano son números ajenos a la danza que tomó prestados de la suite barroca para teclado.


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sábado, 23 de octubre de 2010

El Teatro Colón suspende toda la actividad de la temporada 2010 de su Ballet Estable

La Dirección del Teatro Colón comunica la suspensión de la programación de la Temporada 2010 del Ballet Estable (funciones de abono y extraordinarias de El corsario y La bayadera) Según el comunicado oficial motiva esta suspensión el incumplimiento de las labores por parte del Ballet Estable a partir del día 29 de septiembre próximo pasado, fecha en que parte de este cuerpo artístico se negó a realizar los ensayos correspondientes a la preparación coreográfica de la obra.



Comunicado oficial de las autoridades del Teatro 


Las conductas llevadas a cabo por parte de los integrantes del Ballet Estable y las sucesivas negativas de los bailarines a cumplir con sus obligaciones, trajo aparejada la imposibilidad de completar la producción del ballet “El Corsario”, cuyo estreno estaba previsto para el día 29 de octubre. Esto implica no sólo la imposibilidad de prestar el servicio público al que está obligado el Teatro y sus trabajadores, sino una falta de consideración hacia el público abonado al ballet y una inmensa pérdida de los recursos del Estado, valorados en una suma superior a los 4 millones de pesos para lo que restaba de la temporada programada"
Es de señalar que poner en escena una obra de estas características, no sólo incluye la preparación del Ballet, sino también el trabajo de diseño de la producción escenográfica y lumínica, comenzada el año pasado, de montaje musical de la Orquesta Estable, también ya concluida, y el de montaje de la producción escenotécnica que se inició hace tres meses y se encuentra concluida y montada en el escenario. De igual modo, ya están confeccionados los 180 trajes que realizó la sastrería del Teatro.
La imposibilidad de presentar el ballet con el nivel artístico requerido y la absoluta falta de garantías respecto del trabajo futuro de un grupo de bailarines obliga a suspender la actividad 2010 de este cuerpo estable. A la brevedad se comunicará, a través de los medios de comunicación y de la página web del Teatro, la forma y período de devolución del dinero de los abonos y sobrantes.



Por su parte la Asamblea General de Trabajadores del Teatro Colón anunció un plan de lucha que desarrollarán en los próximos días a raíz de la “total y absoluta falta de respuesta de las autoridades del GCBA, a los reclamos formalmente realizados la semana pasada y ante la escalada de persecución, de represión e intento de amedrentamiento hacia los trabajadores del Colón, ordenada por la Dirección General del Ente Autárquico Teatro Colón y llevada a cabo por personal de seguridad privada”.


Con el voto unánime de los trabajadores, la Asamblea resolvió realizar este viernes 22 de octubre un acto artístico en la vía pública (Cerrito 618), en el que participarán miembros de las Orquestas Estable y Filarmónica, miembros del Ballet Estable, del Coro Estable y demás Cuerpos Estables del Teatro Colón.


El próximo jueves 28, las medidas se recrudecerán con la convocatoria a un paro total de actividades, tanto en el Teatro Colón como en sus las dependencias extramuros.


“La responsabilidad de este estado de conflicto es debido al autismo político, el autoritarismo y la negligencia, tanto de las autoridades del EATC como del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Convocamos a toda la ciudadanía el viernes 22 a disfrutar del arte de los Trabajadores del Colón y a defender a Nuestro Primer Coliseo”, remarcaron los trabajadores en un comunicado de prensa.

martes, 10 de agosto de 2010

Elisabeth Leonskaja: Entrevista

Elizabeth Leonskaja

La extraordinaria intérprete rusa inaugura hoy los conciertos en el Teatro Victoria Eugenia con obras de Chopin y Schumann. El arte de Elisabeth Leonskaja (Tiflis, Georgia, 1945) se extiende mucho más allá de su piano. La elegante y respetuosa solista es, además, una señora que transmite sosiego y en esta entrevista realizada por José María Cano nos revela aspectos de su vida, desde las dificultades para desarrollar su carrera en la antigua Unión Soviética hasta la capacidad de hacer hablar a la música.
- Tiene una larga carrera y una vida consagrada al piano. ¿Cómo recuerda sus comienzos? ¿Tomó usted la decisión de dedicarse a ello?
- Cuando empecé a tocar el piano yo tenía seis años y lógicamente fue mi madre la que tomó la decisión por mí. La verdad es que no me ha parecido una profesión aburrida ni un solo día de mi vida.
- Se formó en el Conservatorio de Moscú y en esos años ganó prestigiosos premios. ¿Recuerda su niñez y su juventud como especialmente duras?
- Podría contarle la historia de forma muy rápida, pero todo lo que viví entonces se desarrolló de manera muy lenta, día a día y paso a paso. Y por supuesto, todos los días no fueron soleados. A veces veía montañas justo delante de mis ojos y no podía ver nada más que eso, altas montañas que tenía que escalar.
- ¿Se refiere a las horas que tenía que emplear estudiando?
- Sí, pero sobre todo a todas las dificultades que tenía que solventar para mejorar. Rostropovich me dijo una vez que lo más difícil de todo es mejorar uno mismo. La frontera entre ser bueno y ser el mejor es muy difusa, muy fina, pero muy importante.
- ¿El gran pianista Sviatoslav Richter, con el que trabajó, también le transmitió esta idea?
- No exactamente, pero me transmitió otras muchas cosas. Pasé mucho tiempo con él y teníamos largas conversaciones. Recuerdo mi trabajo con él como probablemente una de las épocas más importantes de mi vida y todavía hoy en día tomo cosas de aquella relación. Richter fue una luz muy intensa que ha iluminado mi camino.
- En 1978 usted dejó la Unión Soviética y se estableció en Viena. ¿Por qué esta ciudad?
- Yo había tocado tres veces antes en Viena y me parecía una ciudad buena para la música. En cuanto a salir de mi país, en aquella época mucha gente lo hizo. Mi madre era judía y aunque en mi pasaporte ponía que yo era rusa, todos sabían que mi madre era judía, así que era muy difícil desarrollar una carrera profesional. Es una más de las muchas cosas absurdas que ocurrían en aquella época en la Unión Soviética. Y es increíble cómo algo tan pequeño como eso puede afectar a la vida de una persona. Afortunadamente, la vida es lo suficientemente fuerte como para superar ese tipo de cosas.
- Echando la vista atrás, ¿siente que ha tenido que sacrificar muchas cosas para dedicarse a la música?
- Sí, sin duda. Y me ha ayudado a entender que el arte es más importante que el status social, sobre todo si te tienes que exiliar, que es algo muy triste.
- El pianista Joaquín Achúcarro dice que la música tiene un mayor porcentaje de transpiración (trabajo) que de inspiración. ¿Comparte esta opinión?
- Estoy de acuerdo, pero habría que dejar claro a qué trabajo nos referimos. Invertimos toda la vida en estudiar un texto (partitura), pero la inspiración surgirá de ese texto si aprendes a entender lo que está escrito. Lo que quiero decir es que la inspiración te viene del trabajo que inviertes en la lectura de ese texto.
- Entonces, ¿no es necesario tener ningún tipo de cualidad innata para ser un buen pianista?
- Sí, porque tienes que hablar con tus manos a Dios y al público y para eso se tiene que nacer. Hoy en día se pueden aprender muchas cosas con un alto nivel, pero no se puede alcanzar ese estado si no has nacido para ello.
- Los músicos, y sobre todo, los pianistas, pasan solos muchas horas. ¿Cómo lo lleva?
- Para mí no es un problema. Yo adoro a la gente, me encanta, pero también me gusta estar sola y además lo necesito. No hago nada especial para superar esta situación e incluso me gusta. Sin embargo, tengo compañeros que no soportan estar solos, como Martha Argerich o Gidon Kremer. Yo no necesito luchar contra eso, lo tomo como un hecho más de la vida.
- ¿Y los viajes?
- La verdad es que a veces se me hace muy cansado. Me gusta mucho viajar y ver sitios nuevos, sentir la vida de esos lugares. pero ya no miro por la ventanilla del avión, intento dormir y llegar a mi destino.
- ¿Cómo se concilia una vida de artista con la familia?
- Depende de cada caso. Por ejemplo, la cosa cambia si tienes hijos. Yo no tengo hijos, aunque me hubiera gustado, por lo que lo tengo más fácil. Otros, como Vladimir Ashkenazy, viajan con toda la familia y conozco a mujeres músicos que en un momento de su carrera incluso han enviado leche materna por paquetería express para alimentar a sus hijos.
- A estas alturas de su carrera, ¿tiene un horario fijo de estudio?
- Estudio todos los días, pero el horario depende de los viajes. Lo importante es trabajar con espíritu.
- Hoy interpretará en San Sebastián la 'Sonata nº 2' de Chopin. ¿Por qué esta obra?
- Porque para mí es una sonata española. Chopin la compuso cuando estaba con George Sand en Valldemossa (Mallorca). Cuando la estudié en el conservatorio de Moscú mi profesor me dijo que el último movimiento era el 'viento de la libertad'. Cuando a los años me invitaron al Festival Chopin de Valldemossa, salí a pasear entre campos de olivos y escuché el sonido del viento. Entonces entendí lo que quería decir mi profesor y a partir de aquel día cambié mi manera de tocarlo, así como la 'Marcha fúnebre' y el 'Scherzo', que me sugiere las pinturas negras de Goya.
- También ofrecerá los 'Estudios sinfónicos' de Schumann.
- Sí, pero previamente tocaré 'Papillons', porque después de Chopin me parecía un poco fuerte empezar directamente con ellos. Todo en Schumann es increíble y estos estudios son su obra más sinfónica.
- Tanto Chopin como Schumann son autores que ha tocado a lo largo de su carrera. ¿Ha cambiado su visión de ellos? ¿Cree que son más adecuados para un intérprete joven o para uno con experiencia?
- Algunas versiones de sus obras las he cambiado, pero otras no. En cuanto a la interpretación de una pieza, yo creo que si sabes usar la experiencia en cualquier disciplina artística es muy importante, siempre y cuando sea fruto de la experiencia y no de la automatización de una rutina. Y la energía de la juventud es también maravillosa.
- ¿Cómo ve la nueva cantera de pianistas?
- Hay muchísimos jóvenes con un nivel técnico muy alto, mucho más que hace veinte años.
- ¿Le queda algo por descubrir en el mundo del piano?
- ¡Claro! Necesitaría cinco vidas o más para tocar todo lo que hay escrito para piano.


Tercer Movimiento de la Sonata Nro.17, Op. 31 Nro. 2 " La Tempestad" de L.V. Beethoven:
Piano: Elisabeth Leonskaja



Mozart - Grieg Sonata K.545 "Sonata facile" in C major - I. Allegro

Richter y Leonskaja


miércoles, 4 de agosto de 2010

Joven talento nacional ofrecerá recital de piano en el ICPNA de Miraflores

Yefer Blancas, alumno del profesor Arbe de Lelis, ofrecerá un recital de piano este jueves 5 de Agosto en el Auditorio del ICPNA de Miraflores. El programa incluye emblemáticas obras de Bach, Mozart, Beethoven, Chopin, Mendelssohn y Debussy.

ENTRADA LIBRE

Lugar: Esquina Av. Angamos Oeste con Av. Arequipa
Fecha: 5 de Agosto de 2010
Hora: 12:00 m

jueves, 29 de julio de 2010

Ganador del "Franz Liszt" de Weimar y Budapest se presenta en el Conservatorio Nacional de Música


Péter Tóth - quien sorprendiera por su rápido ascenso a los grandes escenarios del mundo al ganar el concurso "Franz Liszt" de Weimar (2000) y Budapest (2001) con tan sólo 17 y 18 años respectivamente y más aún, tomando en cuenta su "tardía" iniciación al piano a los 11 años de edad - se presenta en el Conservatorio Nacional de Música de la ciudad de Lima. 


Tóth reside en Texas y se está preparando para la XIV Competición Internacional Van Cliburn que tendrá lugar en Fortworth, Texas el 2013.


También ofrecerá un recital en el Teatro Británico de Miraflores de cuyo atractivo programa ya hemos hablado.


RECITAL
Lugar : Sala principal del Conservatorio, Jr. Carabaya 421 Lima
Fecha: Jueves 5 de Agosto del 2010

Hora: 7:30 pm

Ingreso libre






martes, 27 de julio de 2010

Péter Tóth en Lima este 4 de Agosto - Programa


En anterior publicación tuvimos ocasión de hablar de este fascinante artista. El joven húngaro que visita nuestra capital no se inició en el piano por haber escuchado un concierto en particular, o haberse inspirado en un gran pianista, o porque sus padres le animaron, o por alguna de las populares circunstancias que suelen determinar la carrera de un pianista. Por el contrario,  Toth descubrió tardíamente el piano a la edad de 11 años por pura casualidad,  y hoy se ha convertido en uno de los jóvenes píanistas más importantes de la actualidad al haber ganado a los 17 y 18 años el Concurso Franz Liszt de Weimar y Budapest respectivamente. Actualmente se está preparando para concursar en la Gran Competición Internacional Van Clliburn que se realiza en Texas (El Van Cliburn es considerado un concurso de élite donde participan  "ganadores de grandes concursos" como también los es el Tchaikovsky en Moscú) y tendremos la dicha de escucharle este 4 de Agosto en el marco de los Conciertos de Jóvenes Solistas que está organizado en nuestra capital el Patronato Peruano de la Música


Tóth interpretará un atractivo y bien equilibrado programa - como bien deben de elaborarse, sobre todo para nuestra capital que requiere conciertos atractivos e incluyentes que atraigan al gran público a la vez que satisface el gusto especializado - el mismo que incluirá piezas de gran popularidad entre los clásicos como también voluminosas composiciones de Liszt y Brahms. Es decir, un repertorio para todos los gustos. Si tal aspiración es de alguna manera  posible. A continuación les presentamos el programa:


Ciclo de Jóvenes Solistas 
Recital de Piano 
PÉTER TÓTH 
Miércoles 4 de agosto de 2010 


LUDWIG VAN BEETHOVEN Sonata en do sostenido menor, op. 27 n° 2
(1170 – 1827)   “Claro de Luna"
Adagio sostenuto -
  Allegretto – Trio –
Presto agitato




JOHANNES BRAHMS  Sonata en do mayor, op.1 
(1833 – 1897)  
 Allegro-Andante (nach einem altdeutschen Minneliede) 
Scherzo: Allegro molto e con fuoco-Più mosso-Tempo I
Finale: Allegro con fuoco-Presto non troppo ed agitato.

 Intermedio 

ROBERT SCHUMANN  Estudio en do mayor, op. 3, n° 3
(1810 – 1856)




FRÉDÉRIC CHOPIN  Nocturno en fa mayor, op. 15, n° 1
(1810 – 1849)



CLAUDE DEBUSSY  Dos Preludios
(1862 – 1918) "Ce qu'a vu le vent d'ouest" (Lo que ha visto el viento del oeste)
"La fille aux cheveux de lin" (La niña de los cabellos de lino) 



FRANZ LISZT   Funérailles
(1811 – 1886)  
Legenda n°  2, "St. François de Paule marchant sur les flots" (San Francisco de Paula caminando sobre las olas)
Rapsodia Húngara n° 6 


vea el artículo completo


A continuación: Rachmaninov 2. Piano Concerto interpretado por Peter Toth al piano, y la Békés County Symphony Orcherstra (Békés Megyei Szimfonikus Zenekar) conducida por Daniel Somogyi-Toth, Extract del primer Movimiento.



Gran pianista húngaro Péter Tóth ofrecerá recital en Lima

Péter Tóth

RECITAL EN LIMA
Lugar: Teatro Británico (Jr. Bellavista 531 Miraflores)
Fecha: 4 de Agosto del 2010
Hora: 8:00 pm.
Venta de entradas en Teleticket y Boletería del Teatro
Entrada General: S/. 25.00
Estudiantes y Jubilados: S/. 10.00


Hay una historia intrigante sobre Tóth, con un matiz de fatalidad romántica.  Él nació en Bekescsaba (1983), una pequeña ciudad ubicada a tres horas de Budapest. No vió un piano sino hasta que tuvo once años - absolutamente tarde para un virtuoso - porque su familia no contaba con uno.

Después de solamente dos años en la Escuela de Música Béla Bartók en Bekescsaba, le concedieron una beca para la famosa Academia de Música Franz Liszt en Budapest, en donde estudió con Gyorgy Nador y Balazs Reti, y más adelante con Adán Wibrowski en París. Teniendo menos de cuatro años estudiando piano, Tóth atrajo la atención de un público sorprendido cuando ganó el Concurso Internacional de Piano en Wittenberg (1997) y Bovino (1998). En 1998 también recibió el apreciado “Sari Biro Memorial Award” de la Academia Liszt como el mejor joven pianista del año.

Su carrera internacional se catapultó cuando ganó el prestigioso Concurso Internacional de Piano Franz Liszt en Weimar (2000) y en Budapest (2001) a los 17 y 18 años respectivamente.

Las giras de conciertos de Tóth, le han llevado a tan reconocidos espacios como el Conservatorio Tchaikovsky en Moscú y el Concertgebouw en Amsterdam.

En 2005, hizo un exitoso debut en Munich, con un recital solista en la serie “Conciertos de Piano en la Residencia Real”. El diario “Süddeutsche Zeitung” escribió de su presentación, “es enorme lo que es capaz de lograr este joven pianista húngaro… un músico inteligente y convincente, con todo el potencial para crecer y codearse con lo mejor”

Hoy, Peter Tóth es uno de los artistas húngaros más importantes que aparece en las salas de concierto alrededor del mundo. Él ha realizado conciertos con los más distinguidos directores de orquesta, y está desarrollando una reputación internacional como un artista musical serio, sensible y profundo.

Sus conciertos europeos por venir incluyen una gira en Alemania con conciertos en Bremen, Kaiserslautern y un retorno a Munich.   

Mi Primer Piano y Concierto  
“Mi primer contacto con un piano fue realmente accidental. Como era común en las pequeñas ciudades provinciales en Hungría, las tardes del fin de semana eran reservadas para las visitas a parientes y vecinos. Era costumbre que fueran los niños también. En una de estas tardes, visitábamos a uno de nuestros conocidos. Mientras los adultos estaban sentados en la pequeña sala de estar – contrariamente a la mayoría de húngaros, ellos contaban con una - me escapé al dormitorio. Esperaba encontrar algo que espantara mi aburrimiento. En la pared había un piano viejo, bastante estropeado. Probablemente estaba siendo utilizado sólo como un mueble más y no como instrumento. Nunca antes había visto tamaño instrumento desde tan cerca (mi primer instrumento había sido una mandolina que mi abuelo me había dado años atrás).

Al no poder controlar mi curiosidad, levanté la cubierta del piano y toqué cuidadosamente las opacas y desgastadas teclas. Los tonos tuvieron en mí un efecto fascinante pero, a la vez, perturbador. Me perturbaban porque – como luego descubrí y entendí - poseo oído selectivamente absoluto: el instrumento simplemente estaba desafinado.

En casa rogué  a mis padres que me dejaran tomar clases de piano. Aunque no tenían ninguna relación en particular con la música, fueron abiertos y  desinteresados al conceder mi pedido: en 1994 fui inscrito en la escuela local de música Béla Bartók.

Mi primer encuentro oficial con el piano no fue a los 3 años, sino a los 11. Tampoco recibí  mis primeras clases de mis padres, ni fui influenciado por algún inolvidable concierto o encuentro con algún famoso pianista. Simplemente no era un niño prodigio.

El primer año de lecciones de piano resultó ser una catástrofe: conseguí tener al peor profesor – desde un punto de vista pedagógico – de toda la escuela. Es así que mi “carrera” como pianista casi termina abruptamente. Sin embargo, mis padres aparentemente sintieron que merecía una segunda oportunidad.

Mi siguiente profesor, Jozsef Csontos, percibió rápidamente que podría llevar a cabo tareas más difíciles que el resto de mis compañeros. El nivel de dificultad me fue incrementado sostenidamente hasta que fui capaz de participar en mi primera competencia de piano: en 1997, tres años después de haber tocado una tecla de piano por primera vez, gané – para mi propia sorpresa – el primer premio del “International Piano Competition” del Conservatorio de Música de Wittenberg, Alemania. Es por esto que fui aceptado en la clase para niños superdotados de la Academia de Música Franz Liszt ese mismo año.

Es ahí que Gyorgy Nador, László Bihari y Balazs Reti me acogieron bajo sus alas y, desde entonces, han guiado mi carrera.
Dos años después, en 1999, participé en el Concurso Internacional en Bovin, Italia, y gané el primer premio. En el año 2000 gané el Concurso Internacional de Piano Franz Liszt en Weimar, Alemania y en Budapest.

He estudiado en la Academia Franz Liszt desde el año 2001. A lo largo de mis estudios, he tenido numerosas oportunidades de adquirir experiencia en escenarios internacionales. Junto con otros, hasta la fecha he dado conciertos en el Konzertgebouw en Amsterdam, en el Conservatorio de Música Tschaikovsky en Moscow, en Francia, Austria, Japón, en la República Checa, en Bélgica y en Alemania.” 2004.  

Péter Tóth terminó su “Maestría de Música en Interpretación y Enseñanza” en la Academia Franz Liszt en Budapest en el año 2008. Reside en Texas entre giras, mientras se prepara para la competencia Van Cliburn.


* Cortesía del Patronato Peruano de la Música.







domingo, 25 de julio de 2010

¿Notas falsas?: inaceptable en el pianismo actual. Responde la Trivia

Boris Berman

Ni los más grandes están libres de ellas, lo cual, en lo personal, no desluce en lo más mínimo el valor de una gran interpretación, sin embargo, hoy en día, la impecabilidad en la ejecución ha adquirido un valor superlativo y necesario. Como así lo expresó en su momento Igor Stravinsky frente a las posturas de Neuhaus (profesor del colosal Sviatolav Richter y de quien se hará mención más adelante) 


Para aclarar el tema , nada mejor que compartirles un extracto de la entrevista que le realizó Filomúsica al pianista ruso Boris Berman  (alumno del gran Lev Oborin en el Conservatorio Tchaikovsky de Moscú),  quien nos expresa una interesante dicotomía entre tocar con el "espíritu" y tocar "correctamente".  Sobre el particular Berman nos dice:



También es cierto que en nuestra generación las grabaciones son muy abusivas en el sentido de que todo el mundo graba, todo el mundo escucha muchas grabaciones, todo el mundo viaja, todo el mundo estudia con profesores de todo el mundo... esta es la razón de que se haya alcanzado un consenso que no había en las generaciones anteriores a la hora de interpretar la música. Esto en algunos casos es para bien y en otros para mal. Actualmente nadie puede permitirse tocar notas falsas. A este respecto, recuerdo cuando grabé la 5ª sonata de Scriabin: tuve la impresión de que esta pieza sólo podía tocarse o con el espíritu correcto o con las notas correctas, pero no ambas cosas a la vez. Si escuchas la grabación de Richter es fantástica pero sin embargo llena de notas erróneas (increíblemente). Cuando lo grabé, sentí que no podía permitirme dar notas falsas, así que mi grabación es mucho más cuidadosa, lo sé, pero no podemos tomar estos riesgos actualmente.
Los intérpretes de antes hablaban en otro "lenguaje" cuando hacían música. Es lo mismo que cuando vas al cine y ves películas antiguas. Es una manera diferente de expresar emociones.

Trivia:
Y hablando de los intérpretes de antes, les dejo al legendario Menahem Pressler, del cual hablamos en anterior artículo, esta vez interpretando el Nocturno en Do sostenido menor de Frederick Chopin. La claridad de la línea y su fascinante cantabile nos permite con facilidad seguirle el rastro a la precisión de su ejecución, casualmente estas suelen ser obras difíciles de tocar por su refinada exigencia musical y porque entre los clásicos se trata de una obra de no poca popularidad y frente a la cual la necesaria infalibilidad se torna una cuestión de vida o muerte. 


Hay algunas notas falsas, ¿las captas? ¿Cuántas? déjanos tu comentario:


Menahem Pressler: Maestro y leyenda viva del piano




Menahem Pressler, pianista y miembro fundador del Trío Beaux Arts, es reconocido como uno de los más distinguidos músicos del mundo y cuenta con una trayectoria que abarca más de cinco décadas. Su renombre mundial se inició después de que, en 1946, se le otorgara el primer premio en el Concurso Internacional de Piano Debussy en San Francisco. A ello le siguió el éxito de su debut en América con la Orquesta de Filadelfia, bajo la batuta del maestro Eugene Ormandy. Desde entonces, sus extensas giras por América del Norte y Europa han incluido presentaciones con las orquestas de Nueva York, Chicago, Cleveland, Pittsburgh, Dallas, San Francisco, Londres, París, Bruselas, Oslo, Helsinki y muchas otras. Si bien su vida está enteramente dedicada a su música, combina el trabajo que realiza en sus giras con la docencia. Cuando no se encuentra colaborando en presentaciones de cámara, ofreciendo recitales como solista o dando clases maestras, el pianista se encuentra enseñando en la Universidad de Indiana, donde ostenta el grado de Profesor Distinguido.


En septiembre último Pressler se presentó en nuestra capital con el American Quartet y recientemente tuvo una memorable presentación en Verbier Festival (Suiza) con el Concierto Nro. 17 de Mozart. Emmanuelle Franc Ha realizado un documental sobre él con motivo de su participación en este renombrado evento que Medici.tv transmitió en directo y del cual le presentamos este extracto.

jueves, 22 de julio de 2010

Entrevista a Luca Chiantore sobre la posible falsedad de Para Elisa

Luca Chiantore


Este es un extracto de la entrevista realizada por Samuel Máynez Champíon para Diario el Progreso (Mexico):

1. Por último, quisiera pedirle que nos contara del insólito descubrimiento que lo llevó a refutar la autenticidad de esa bagatela para piano que el mundo entero conoce, manosea o soporta desde hace más de centuria y media…


“Para Elisa” es una pieza enigmática que “apareció” cuarenta años después de la muerte de Beethoven cuyas características formales chocan con su estilo compositivo. Cuando Ludwig Nohl dio a conocer la obra, afirmó haberla encontrado en un manuscrito que nadie más vio y que hoy suele definirse como “desaparecido”. En realidad, existen docenas de indicios que apuntan a que ese manuscrito no existió jamás, y que lo que Nohl hizo fue ensamblar, como en un collage, apuntes sueltos de Beethoven que se conservan actualmente en Bonn. El aspecto más interesante de esto es que Beethoven, efectivamente, escribió por separado las notas que constituyen esa pieza, empezando por el célebre tema inicial. En rigor no se trata de un problema de autenticidad, sin embargo, entorno a la música “clásica” se ha creado un concepto de obra musical en el que el compositor es responsable hasta de los detalles más nimios de la composición, tanto así, que el intérprete se convierte en apóstata si se atreve a alterarle una nota. De ahí la paradoja de que la obra más popular de Beethoven tambalee a la idea misma de “obra musical” tal como la han entendido, hasta ahora, los defensores a ultranza de la música, supuestamente, clásica o universal."

Aqui les traemos la entrevista (en italiano) realizada al musicólogo   en donde expresa argumentos sobre su afirmación: "Beethoven podría no ser el autor de la famosa Para Elisa"





Chiantore ha recibido excelentes críticas por su Historia de la Técnica Pianistica .  Josep Maria Colom se refieren a el como el más apasionado de los musicólogos y Bashkirov considera que gracias a Chiantore la Música Clásica tiene un gran futuro. Su último libro Beethoven al Piano ha sido celebrado por la crítica internacional.

Para Elisa podría no ser una composición de Beethoven




«Un musicólogo afirma que Beethoven no compuso Para Elisa». Este titular fue quizás el que en un mayor número de veces saltó a los medios de comunicación cuando Luca Chiantore (Milán, 1966), por méritos propios referencial estudioso del compositor, dio a conocer su último estudio beethoveniano "Beethoven al Piano". Cosas de nuestro tiempo: los grandes genios de la cultura occidental ocupan lugares en ocasiones privilegiados en los medios únicamente cuando la noticia viene indisolublemente unida a su correspondiente dosis de morbo (una atribución, una nueva obra). Y esta la tenía: ni un solo diario se hubiera ocupado de una sonata de juventud, pero sí de esta celebérrima bagatela que aparece en nuestras vidas dónde menos lo esperamos.
Sin embargo, este titular merece explicación, tal como hizo el autor en la presentación de su más reciente obra: el profundo, interesante y magníficamente bien escrito Beethoven al Piano, publicado por Nortesur Musikeon, que hay que considerar de obligada consulta para profundizar en la figura y obra pianística de un compositor del que se conocen muchas cosas pero que de otras esenciales —como la interpretación pianística— se sabe poco. Chiantore lo aborda desde una perspectiva actual, valiente y novedosa.
Chiantore dedica un capítulo al caso Para Elisa por medio de un interesantísimo estudio sobre las vicisitudes de la partitura y la impostura o no del pretendido descubridor, el célebre Dr Nohl —autor de una extensa biografía de Beethoven y de la transcripción de su correspondencia—. De paso le viene como anillo al dedo para, en primer lugar, bajar al mundo terrenal la intocable patrística musicológica germánica, animando a un debate que incomprensiblemente apenas existe. En segundo lugar, para defender lo que para éste es el mayor mérito del original indubitado sito en la Beethovenhaus de Bonn, aunque de modo fragmentario y desordenado —y no dedidado a ninguna Elisa—: ser testigo real y objetivo «de una interpretación abierta a la improvisación». Chiantore, finiquitando la autenticidad de la edición de Nohl, concluye que la improvisación por los intérpretes es la que debe dar vida a los apuntes de Bonn.
La conclusión en realidad debe ser convenientemente matizada y Chiantore se pregunta hasta qué punto puede ser atribuida una obra a un autor cuando únicamente conocemos que compuso unos fragmentos, y que un tercero le dio «su» coherencia formal y musical como si de un puzzle se tratara. Muchas son las dudas sobre si esos esbozos los llegó a ordenar y dedicar el autor de la manera que hoy día conocemos o si fue Nohl quien lo hizo (recreando en su mente una partitura y una Elise que jamás existieron). El manuscrito de la obra completa nunca ha sido hallado, nadie lo ha visto excepto el musicólogo alemán y, por si fuera poco, ni siquiera lo incluyó en su legado personal.
A las cuestiones históricas añade Chiantore cuestiones controvertidas de escritura musical, proponiendo un análisis formal y tonal para concluir con más interrogantes todavía, puesto que de ser cierto el relato de Nohl, Beethoven rompió en este caso con no pocos de sus hábitos compositivos, a lo que hay que añadir divergencias —indicaciones de tempo, por ejemplo— entre el manuscrito de Bonn y el que supuestamente halló Nohl. Incluso, en una ardua labor detectivesca, el autor enumera no pocos detalles sospechosos que se repiten en la edición de Nohl y en el manuscrito indubitado.
En definitiva, y aunque Chiantore hable de «dudas», apela a la lógica para concluir que Nohl nunca tuvo entre sus manos el manuscrito desaparecido, por lo que su postura es clara. Finalmente, y para quienes se han visto atraídos por el lado del morbo: si la edición de Bonn fue una invención de Nohl, y sólo en ésta aparece la dedicatoria a la misteriosa Elisa, entonces la célebre dedicatari nunca existió. Y yo me pregunto ¿porqué quiso ir tan lejos en su impostura?.

JOAQUÍN GUZMÁN

Chiantore: «Beethoven fue el primero en tocar el piano con los brazos»

Joaquín Valdeón (izquierda) y Lucca Chiantore


«Beethoven fue el primero en tocar el piano con los brazos, porque movía toda su musculatura superior y no sólo utilizaba sus dedos al tocar», explicó el pianista y musicólogo italiano Luca Chiantore durante la presentación de su libro «Beethoven al Piano», ayer, en el Club Prensa de LA NUEVA ESPAÑA. Chiantore, con esta nueva obra, pretende conocer tanto los trabajos de Ludwing van Beethoven como su persona. «Me interesa quién era, quién escuchaba su música en la época y, por supuesto, todas sus obras». 

El acto fue presentado por el crítico musical Joaquín Valdeón, colaborador de LA NUEVA ESPAÑA, quien apuntó que «la composición y la interpretación son facetas inseparables» en un pianista. 

Chiantore quiso destacar el esfuerzo y la lucha de Beethoven. «Todo lo que consiguió le costó mucho. No fue como Mozart, que pronto demostró su genialidad». Valdeón se unió a las palabras de Chiantore. «El piano era para Beethoven un taller de experimentación. Era una mirada al músico y al artesano». 

Por ese esfuerzo, el compositor de Bonn resulta, para el autor, el ejemplo más inspirador para sus alumnos de los cursos de la Escuela Internacional de Música de la Fundación Príncipe de Asturias. Precisamente la presencia de Chiantore en estas clases ha servido para presentar esta nueva obra en Oviedo. 


Chiantore ya nos sorprendió con su voluminoso "Historia de la Técnica Pianística" que fue celebrado por la crítica especializada y que cuenta con una cuantiosa y sorprendente  bilbiografía, digna del más apasionado de los coleccionistas.
El músico italiano, que reflexionó durante su conferencia sobre la variedad interpretativa de las obras -«Ahí está su encanto», declaró-, se sentó también al piano para dejar un botón de muestra con varias interpretaciones de unos compases de la conocida sonata de Beethoven «Appassionata».



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